El cine sonoro.
Anteriormente al cine sonoro ya existía el sonido en el cine. Los cineastas y proyectistas se habían preocupado de ello, pues el cine nace con voluntad sonora. En las primeras filmaciones cortas en que aparecen actores y actrices bailando, el espectador no oye la música, pero puede observar sus movimientos. Por otra parte, rara vez se exhibían las películas en silencio. Los hermanos Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París y hubo compositores de valía, como Saint-Saéns que compusieron partituras para acompañar la proyección de una película. Músicos y compositores tenían en el negocio del cine mudo una fuente de ingresos. No sólo la música, también los ruidos y acompañamiento tenían cabida en el cine mudo, por lo que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para producir sonidos, tempestades o trinar de pájaros. Cierto es que este sistema era solamente posible en grandes salas, en ciudades o lugares de público pudiente, y escasamente podía apreciarse en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran válidos para hacer música en el cinematógrafo aunque el piano (y la pianola) era normalmente el más apetecido.
Algunos experimentos habían demostrado que las ondas sonoras se podían convertir en impulsos eléctricos. En el momento en que se logró grabar en el celuloide esta pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen, y por lo tanto hacer sonoro el cine.
Thomas Alva Edison, uno de los inventores del cinematógrafo, había conseguido grabar la voz humana en su fonógrafo en el año 1877. No fue el primero, ya que Muybridge gravó la progresión del galope de un caballo en 1972. Estos dos precursores sientan las bases de los inventos posteriores. En el caso del cine, el problema que no se conseguirá solucionar de manera rentable y eficaz hasta después de la Primera Guerra Mundial será la sincronización de sonido e imagen.
El proceso de sonorización
Para dar sonido al cine se utilizaron una gran variedad de técnicas que atravesó las diferentes etapas de las primeras décadas del cine. Se comenzó por hablar o producir ruidos detrás de la pantalla, complementado por el acompañamiento musical en vivo durante las proyecciones y la utilización de un locutor que añadía comentarios a los rótulos. Más tarde, la técnica vitapohone sustituyó en las salas de cine a las orquestas por altavoces y se limitó a la música y los ruidos. El procedimiento photophone, de Alexandre Grahan Bell consigió transmitir la voz utilizándose la luz. La voz se proyectaba a través de un tubo para un espejo fino, que vibraba y actuaba como un transmisor, y se dirigía hacia otro espejo que hacía el proceso inverso actuando como receptor. Los sonidos registrados en disco de huellas sonoras fotográficas, permitieron inscribir sonidos e imágenes en una misma cinta, tanto para la producción como para el registro. El resultado final fue la incorporación a la cinta de una pista sonora que reprodujo música, efectos ambientales y diálogos de los actores.
Anécdotas
El sonido era un problema en los primeros tiempos del cine sonoro. Una amenaza mayor para la libertad de la imagen consistía en la necesidad de que el actor hablase cerca de los micrófonos. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos se escondían en los floreros, tras las cortinas o en la peluca de los actores.
En muchos filmes de aquellos tiempos se puede apreciar el envaramiento de los actores y su cercanía extraña hablando con los objetos más diversos.
Uno de los grandes problemas del cine sonoro se debió a la insonorización que debió hacerse de los platós. El primer plató para sonido de la Warner en los antiguos estudios Vitaphone de Nueva York era una especie de gigantesca caja, de unos 14 metros cuadrados y 8,5 metros de altura,
MÚSICA EN EL CINE HASTA LOS AÑOS 30
1908
Éste es el año en el que surge, en la práctica, la primera banda sonora original de la Historia del Cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinados pasajes de una película. En esta fecha, dos compositores, Camille Saint-Saëns y Mihail Ippolitov-Ivanov, crearon varias piezas para las películas El Asesinato del Duque de Guisa y Stenka Razin. Este hecho, más que ser tomado como ejemplo, fue visto como algo original dentro de un mundo que no cesaba de evolucionar. Como se comentó anteriormente, durante el período mudo todas las salas tenían algún tipo de acompañamiento musical, desde un simple piano a una orquesta completa, y la música que se interpretaba eran melodías clásicas conocidas por el público. Con la llegada del sonoro desapareció este acompañamiento en vivo, y comienza a crearse música específica para las películas.
1914
En este año se producen cuatro películas con un fondo musical creado para ellas. La italiana Cabiria cuenta con la participación del músico J. K. Briel, a quien se considera uno de los primeros profesionales en la producción de música específica para el cine. Un año después, son diez las películas con fondo musical, cuatro realizadas por el citado Briel, que realiza la partitura de una emblemática (y controvertida) producción: El Nacimiento de una Nación. Es a partir de estos momentos cuando se generalizan las composiciones de este tipo, contando cada estudio con sus propios compositores, situación que se consolidaría en décadas posteriores.
La llegada del cine sonoro
Con la llegada del cine sonoro (1927 definitivamente) se les presentó todo un nuevo problema a los compositores. La música ya no podía sonar simplemente ”al fondo”, rellenando la escena. Por una parte esto significó el despido masivo de pianistas y miembros de orquestas de los distintos teatros fílmicos del mundo. La música ahora cumplía un papel de obertura para los créditos iniciales del filme(normalmente sobre temas clásicos del repertorio, como el Lago de los Cisnes de Tchaikovsky), canciones que luego podían venderse en disco o partitura y finalmente como pequeños extractos sonoros de carácter.
Así nacieron cientos de escenas de bailes, paseos por jardines con violinistas y ferias con bandas instrumentales que, como excusa visual, daban el carácter musical a las escenas. Además, no existían aún los medios para grabar y luego editar la música o añadirla al filme posteriormente. Los músicos debían estar cada vez que se grabara la escena tocando. Eso era carísimo. Pero a comienzos de los ’30 todo cambió con la llegada de la edición de la banda sonora.
Con el nacimiento del cine sonoro, EL CANTANTE DE JAZZ ( 1927) , cada película tiene su banda sonora propia, interpretada por orquestas de cámara e incluso música electrónica. Al principio, el cine se valió de compositores que se arreglaba para el cine, como ocurre en la película de Walt Disney, Fantasía.
Primeros intentos de música incidental
Max Steiner compuso en 1933 su música para King Kong cambiando para siempre la historia del cine. Este filme, junto con La Novia de Frankenstein de Franz Waxman son las más relevantes exposiciones tempranas de música para el cine. Cabe denotar que ambos compositores son austriacos, Waxman un estudiante de Berlín exiliado y Steiner un vienés discípulo de Gustav Mahler. El otro compositor relevante austriaco para el cine es Erich Wolfgang Korngold, un compositor de tal talla que le fueron cedidos más derechos y paga que a ningún compositor en la historia del cine, aunque compuso sólo una veintena de obras para el medio, mucho menos que las más de carlos 0 de Steiner o Victor Young. El estilo romántico vienés arrasaría con la antigua moda y sería la música que se escucharía en casi todo el cine hasta los años ’50. Clásicos como Lo que el Viento se Llevó o El Halcón de los Mares son imposibles de entender sin sus respectivas bandas sonoras. La tremenda afinidad entre el tipo de historia dramática de los clásicos de Hollywood y las grandes temáticas románticas permitió esta afinidad sonora con los compositores centro europeos.
Bernard Herrmann y los americanos
En 1941 el recién llegado compositor para radio Bernard Herrmann terminó la música para Ciudadano Kane de su amigo Orson Welles sin mayores contratiempos, pero afectó sensiblemente el estilo musical del cine de su tiempo. Es una música de extractos pequeños, siempre seleccionada para el momento justo y la emoción justa, ni más ni menos. Además, no utilizaba grandes motivos ni melodías para cada situación o personaje. En comparación con la música anterior para el cine, se podría decir que no utilizaba melodías. Herrmann llegaría a ser el más importante compositor de la historia del cine, con títulos como Vértigo, Psicosis o Intriga Internacional de Hitchcock, u otros varios como Taxi Driver o Hermanas, ya en los 70. Su estilo marcó una nueva manera de hacer música para el cine, con compositores como David Raksin, Hugo Friedhoffer o Elmer Bernstein. Su música sería central para los filmes de las siguientes décadas e influiría también en las composiciones musicales en Europa, América y Asia, como la obra de Nino Rota (El Padrino, Amarcord y El Gatopardo, entre otras).
José Nieto (músico)
José Nieto, músico y compositor español (Madrid, 1942)
En 1958 comenzó tocando la batería en un grupo musical. Ya en 1962 comienza su carrera profesional en conjuntos de jazz y otras orquestas.
Realizó arreglos musicales para distintos cantantes y se inició en la composición. En 1970 debuta en el cine componiendo la música de la película La Lola, dicen que no duerme sola de Jaime de Armiñán, iniciando así su carrera fílmica.
En 1987 participa en el largometraje de El Lute: camina o revienta de Vicente Aranda, con quien seguiría colaborando en varias películas.
Ha sido galardonado con numerosos Premios Goya.
Desde que se creó la primera edición de los Premios Goya, ha habido mucha rivalidad con Alberto Iglesias. Hasta la XX edición (2005) los 2 estaban igualados a 6 Goyas cada uno, pero en la edición de 2006, Iglesias le adelantó al conseguir su séptimo galardón.
Entre sus obras figura la música del espectáculo del lago de la Exposición Universal de Sevilla 92.
Algunas de sus obras fueron:
- Canciones de amor en Lolita’s Club (2007)
- Carmen (2003)
- Sé quién eres (2002)
- Juana la Loca (2001)
- Celos (1999)
- El perro del hortelano (1996)
- Tu nombre envenena mis sueños (1996)
- Libertarias (1996)
- Bwana (1996)
- Guantanamera (1995)
- La pasión turca (1994)
- Días contados (1994)
- Intruso (1993)
- El maestro de esgrima (1992)
- Beltenebros (1991)
- Lo más natural (1991)
- Amantes (1991)
- El rey pasmado (1990)
NINO ROTA
Nino Rota (1911-1979), compositor italiano famoso por sus numerosas bandas sonoras para películas.
Nació en Milán el 3 de diciembre de 1911; fue un niño prodigio que antes de cumplir los 15 años ya había compuesto un oratorio y una ópera. Estudió en el conservatorio de Milán con los compositores Alfredo Casella e Ildebrando Pizetti y en el Curtis Institute de Filadelfia. A partir de 1939 trabajó como profesor en el Liceo Musicale de Bari y entre 1950 y 1978 fue director de este centro. Rota comenzó a componer música para películas en 1933. Escribió las bandas sonoras de las películas que Federico Fellini produjo entre 1950 y 1979, como La strada (1954), La dolce vita (1959), Fellini ocho y medio (1963) y Amarcord (1974), así como la música de algunas películas de Vittorio de Sica, Franco Zeffirelli y otros directores italianos. Escribió la música para las dos primeras partes de El padrino, la trilogía cinematográfica de Francis Ford Coppola. La banda sonora de la segunda parte de la trilogía obtuvo un Oscar en 1974. Escribió además 10 óperas, 3 sinfonías, conciertos para diversos instrumentos y gran cantidad de música de cámara. Falleció el 10 de abril de 1979 en Roma cuando estaba escribiendo la música para la película de Fellini La città delle donne (La ciudad de las mujeres, 1980).
ENNIO MORRICONE
Ennio Morricone (1928- ), prolífico compositor y arreglista italiano, conocido mundialmente por su música para cine.
Nació el 11 de octubre de 1928 en Roma y estudió trompeta y composición en la Accademia di Santa Cecilia de esta ciudad. Trabajó como compositor y arreglista para radio, televisión, teatro y cine. En 1964 compuso la banda sonora para la película Por un puñado de dólares de Sergio Leone, composición en la que utilizaba gritos, disparos de revolver, silbidos y otras fuentes sonoras, y por la que recibió el Premio Nastro d´Argento. El uso de estos recursos reforzaba aun más el sentido de las imágenes. En esta misma línea, compuso diversas partituras para otras películas del Oeste realizadas por Leone, como El bueno, el feo y el malo (1966), y para filmes de directores italianos como Gillo Pontecorvo, Pier Paolo Pasolini y Bernardo Bertolucci.
En su música para la industria cinematográfica estadounidense utiliza melodías folclóricas y canciones populares, como en las películas Días de cielo (1978), de Terrence Malick, o Los intocables de Elliot Ness (1987), de Brian de Palma, así como temas e instrumentos populares de los indios sudamericanos y música religiosa europea, como en La misión (1986), de Roland Joffe, o la famosa Cinema Paradiso, (1989) de Giuseppe Tornatore. Tanto Días de Cielo como La Misión le otorgaron sendas nominaciones a los Oscar de Hollywood, aunque nunca ha conseguido este premio. Ha recibido, en cambio, innumerables galardones por su obra en múltiples países. En las dos últimas décadas ha seguido trabajando incansablemente en filmes como Átame (1990, de Pedro Almodóvar), En la línea de fuego (1993, de Wolfgang Petersen), Malena (2000, de Giuseppe Tornatore) o El juego de Ripley (2002, de Liliana Cavani), por citar sólo algunas. Paralelamente ha publicado discos de música no cinematográfica.
. Henry Manzini
Henry Mancini (Cleveland, 16 de abril de 1924 – Beverly Hills, 14 de junio de 1994). Compositor estadounidense de música para cine, jazz, y de influencias latinas. Su verdadero nombre era Enrico Nicola Mancini.
Será recordado perdurablemente por la música que acompaña a la Pantera Rosa (por la que ganó un Grammy) y por su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción Moon River (de Desayuno con diamantes). Además fue el creador de los temas de varias series de televisión como La pantera rosa (dibujos animados), Remington Steele (con Pierce Brosnan), El pájaro espino o Peter Gunn, entre otras.
Estuvo nominado al Óscar en 17 ocasiones, obteniéndolo en 4 con Desayuno con diamantes (1962) en el apartado de mejor banda sonora original y mejor canción (“Moon River”), “Días de Vino y Rosas” (1963), en el de mejor canción, y en el apartado a la mejor adaptación musical de Victor Victoria. También fue nominado en muchas ocasiones para los más importantes premios, habiendo ganado 20 Grammy y un Globo de Oro.
Sus obras más destacadas fueron:
1953 – It came from outer space
1953 – Músicas y lágrimas (sólo adaptación musical con Joseph Gershenson) (nominados al Óscar)
1955 – La guerra privada del Mayor Benson (con Herman Stein)
1961 – Desayuno con diamantes (Óscar a la mejor música de film dramático)
1964 – La pantera rosa (nominado al Óscar)
Parecería lógico incluir “bibliografía”, ¿no?
Eso es cosa de Camila , yo iva a subir precisamente el mio ahora y ya me encargó de ponerla!